A fusão entre fotografia e design é uma sinergia poderosa, capaz de elevar uma imagem a um nível superior de expressão visual. Um fotógrafo com formação em design traz consigo uma bagagem única de conhecimentos que vai além da simples captura de momentos. Essa combinação se traduz em uma abordagem mais refinada e consciente na construção de uma fotografia.

O Brasil possui uma qualificada tradição em design e design gráfico, com profissionais notáveis que contribuíram significativamente para a área. E se tratando de design não podemos deixar de citar Alexandre Wollner. "O design é uma linguagem que muda com o tempo."

Wollner é considerado um dos pioneiros do design moderno no Brasil. Enfatizava a importância da comunicação clara e eficaz por meio do design gráfico. No seu vasto portfólio de trabalhos conhecidos temos alguns como: logotipo da Hering, identidade visual da Petrobrás, identidade visual da Melitta e identidade visual da Companhia Suzano de Papel e Celulose, e outros mais.

Entre algumas outras citações e referências temos a Ruth Klotzel. "O design é uma forma de expressão da cultura visual." Designer e educadora, Klotzel enfatizava a importância do design como uma manifestação cultural, destacando a responsabilidade dos designers na formação da identidade visual.

Guto Lacaz. "O design é um hábito de ver o mundo com olhos de ver." Conhecido por suas contribuições ao design gráfico e industrial, Lacaz valorizava a capacidade de observação e interpretação crítica do designer em relação ao mundo ao seu redor.

Nomes estrangeiros de relevância também servem de inspiração. Paul Rand. "O design é a busca da ação eficaz e significativa. "Reconhecido por sua abordagem minimalista e foco na simplicidade. Paul Rand foi um pioneiro em estabelecer a importância do design gráfico na identidade corporativa.

Saul Bass. "Design é pensar feito visual." Destacou-se por seu trabalho inovador em design de títulos de filmes e identidade visual corporativa. Sua abordagem integrada de design e comunicação visual é emblemática. Com certeza você conhecer ou já ouviu falar de trabalhos dele como: Títulos de Abertura de "Psicose" (Psycho - 1960), Pôster de "Spartacus" (1960) e Títulos de Abertura de "O Iluminado" (The Shining - 1980), entre outros.

Cores

A compreensão aprofundada das cores, contrastes e organização visual permite que o fotógrafo/designer crie composições mais impactantes e significativas. 

O estudo das cores na fotografia é uma ferramenta essencial para expressar emoções, transmitir ideias e direcionar a composição de uma imagem. As cores têm o poder de evocar sentimentos profundos, criar atmosferas distintas e contar histórias de maneiras sutis e impactantes. Entender as particularidades e possibilidades das cores é fundamental para um fotógrafo que busca aprimorar sua linguagem visual.

O círculo cromático é uma peça-chave nesse entendimento, dividindo as cores em categorias como primárias, secundárias, terciárias, quentes, frias e opostas. As cores quentes, como o vermelho e o amarelo, podem transmitir paixão e calor, enquanto as cores frias, como o azul e o verde, evocam serenidade e distanciamento. O contraste entre cores opostas, como o vermelho e o verde, pode criar impacto visual e destacar elementos específicos na composição.

Fotógrafos renomados ao longo da história reconheceram a importância das cores em suas obras. Steve McCurry, conhecido por suas fotografias intensamente coloridas, expressou: "As cores são os sorrisos da natureza". Suas imagens, saturadas de cores vibrantes, capturam não apenas a realidade visual, mas também a emoção e a vitalidade de seus temas.

No universo contemporâneo, fotógrafos como Saul Leiter se destacam pela maestria na manipulação das cores. Suas composições inovadoras e o uso expressivo das paletas de cores são emblemáticos de sua abordagem artística única.

A compreensão das cores na fotografia não se trata apenas de reproduzir a realidade, mas de interpretá-la e transmitir sensações ao espectador. Através do estudo das cores, o fotógrafo adquire uma ferramenta poderosa para criar imagens que não apenas refletem a estética visual, mas também comunicam emoções e narrativas profundas. A busca pela harmonia cromática e a exploração consciente das relações entre as cores elevam a fotografia a um nível de expressão artística mais profundo e impactante.

O entendimento no design também proporciona uma apreciação sofisticada do uso consciente das unidades e formas na imagem, resultando em fotografias mais esteticamente equilibradas e visualmente cativantes.

Uso dos espaços

A utilização de espaços positivos e negativos torna-se uma ferramenta valiosa nas mãos de um fotógrafo com formação em design. 

O conceito de espaço positivo e negativo no design é uma ferramenta valiosa que pode ser aplicada de forma eficaz na composição fotográfica de uma partida de futebol. Essa abordagem visa não apenas aos elementos principais da cena, mas também ao espaço ao redor e entre esses elementos. A consciência da importância do espaço vazio e sua interação com os elementos da cena contribuem para uma composição mais sofisticada e harmoniosa. 

Compartilho algumas maneiras de utilizar espaço positivo e negativo na fotografia esportiva, especialmente em partidas de futebol:

Destaque do personagem. Utilize espaço negativo ao redor de um jogador para destacá-lo na composição. Isso cria um foco visual claro e permite que a audiência se concentre no protagonista da cena.

Antecipação de Movimento. Ao deixar espaço positivo na direção em que um jogador está se movendo, você cria uma sensação de antecipação e dinamismo na imagem. O espectador pode sentir o movimento antes mesmo de acontecer.

Equilíbrio na Composição. Distribua o espaço positivo e negativo de maneira equilibrada para evitar que a imagem pareça desorganizada. Isso pode ser particularmente útil em fotografias de jogadas coletivas, onde é importante capturar a dinâmica de todo o campo.

Expressão da Atmosfera. O espaço negativo pode ser usado para capturar a atmosfera do evento, como a multidão, o estádio ou a paisagem ao redor. Isso ajuda a contextualizar a partida e a transmitir a intensidade do momento.

Isolamento de Ações. Ao aplicar espaço negativo em torno de uma ação específica, você isola essa ação, permitindo que ela se destaque na composição. Isso é útil para destacar momentos cruciais, como um chute a gol.

Foco na Estratégia. Utilize espaço negativo para destacar a tática e a estratégia de jogo. Isso pode envolver a captura de jogadores em posições estratégicas, revelando o padrão de movimento ou evidenciando a disposição tática das equipes.

Drama e Tensão. Utilize o espaço positivo e negativo para criar um sentido de drama e tensão. Por exemplo, ao enquadrar um jogador em um espaço apertado, você pode transmitir a pressão do momento.

Formas geométricas

O uso de formas geométricas na composição fotográfica é uma técnica poderosa para criar imagens visualmente fortes, interessantes e esteticamente agradáveis. Cada forma geométrica, esteja ela de forma implícita ou explícita na sua composição, pode transmitir diferentes sensações e significados, contribuindo para a narrativa visual da fotografia. 

Entenda a seguir, de maneira sintetizada, os tipos de mensagens que algumas formas geométricas comuns e suas associações estéticas podem comunicar:

Linhas » Dinamismo e direção.

Linhas diagonais podem criar uma sensação de movimento e direção, enquanto linhas horizontais e verticais podem transmitir estabilidade e equilíbrio.

Círculos » Unidade e continuidade.

Círculos podem adicionar harmonia e suavidade à composição. Eles são frequentemente associados a ideias de ciclos e totalidade.

Triângulos » Dinamismo e equilíbrio. 

Triângulos podem criar uma sensação de movimento, especialmente quando direcionados para uma determinada direção. Triângulos equiláteros podem representar estabilidade. Em compensação, um triângulo invertido transmite instabilidade.

Quadrados/Retângulos » Ordem e estabilidade.

Formas quadradas e retangulares podem sugerir estabilidade e ordem devido aos seus ângulos retos. Podem ser utilizadas para enquadrar objetos ou criar uma sensação de estrutura.

Polígonos Irregulares » Dinamismo e complexidade.

Polígonos irregulares podem adicionar uma sensação de movimento e complexidade à imagem. Eles quebram a monotonia e proporcionam uma estética mais dinâmica.

Espirais » Movimento contínuo e expansão.

Espirais podem sugerir crescimento, expansão ou um movimento contínuo. São formas que atraem o olhar e proporcionam uma dinâmica visual interessante.

Formas Orgânicas » Natureza e fluidez.

Formas orgânicas, como curvas suaves e formas naturais, podem transmitir uma sensação de harmonia com a natureza e uma estética mais suave.

Ao organizar e incorporar essas formas geométricas em uma composição, o fotógrafo pode criar imagens que não apenas agradam esteticamente, mas também comunicam conceitos, emoções e histórias de maneiras mais profundas. O entendimento das associações estéticas das formas geométricas permite ao fotógrafo explorar uma linguagem visual mais rica e expressiva.

Lembre-se de que o objetivo final é contar uma história visualmente interessante e impactante. Experimente diferentes abordagens para encontrar a melhor maneira de aplicar o conceito de espaço positivo e negativo, adaptando-se às nuances do jogo, às emoções envolvidas e à dinâmica da partida de futebol.

Ângulos

Os ângulos na fotografia e no cinema são ferramentas fundamentais para contar histórias, criar atmosferas específicas e influenciar a percepção do espectador. A escolha do ângulo pode afetar dramaticamente a narrativa visual. A habilidade em explorar diferentes ângulos de visão com o objetivo de enfatizar a mensagem intrínseca na imagem é uma marca registrada desse profissional da imagem. 

Para uma melhor compreensão do tema, cito apenas duas possibilidade de ângulos, entre tantas outras possíveis, que são ângulos específicos:

Ângulo Plongê. A câmera está inclinada para frente, apontando para baixo. Cria uma sensação de opressão, instabilidade ou dramaticidade. Pode ser usado para aumentar a tensão em cenas de suspense.

Esse particularmente gosto e uso bastante que é o ângulo Contra Plongê. A câmera está inclinada para trás, apontando para cima. Pode transmitir uma sensação de grandiosidade, poder ou heroísmo. Usado para enfatizar a imponência de objetos ou personagens.

No cinema, Alfred Hitchcock, é um ótimo exemplo para inspirar e ilustrar bem sobre como explorar, e bem, o uso de ângulos. Hitchcock era mestre em manipular ângulos para criar tensão. Ele frequentemente utilizava ângulos picados para destacar a vulnerabilidade dos personagens.

Lembre-se que suas inspirações e referências não precisam ser necessariamente da mesma área em que você atua. Pelo contrário, pois vai ajudar ampliar sua visão, esse é o “segredo”. 

Então, nesse sentido, cito algumas referências notáveis da fotografia, que não tinha o esporte como foco dos seus trabalhos, e que possuem algumas das características marcantes do design no meu entendimento:

Claudia Andujar. A combinação de suas escolhas cromáticas, técnicas fotográficas distintas e composições únicas cria uma narrativa visual que vai além do simples documentário. Suas fotografias contam histórias profundas sobre as vidas e desafios enfrentados pelos Yanomami. Demonstrou uma abordagem inovadora na documentação cultural.

Daido Moriyama. Conhecido por suas composições ousadas e experimentação com ângulos inusitados, Moriyama incorpora uma abordagem única e contemporânea em suas fotografias.

Saul Leiter. Famoso por suas fotografias coloridas, Leiter era também um pintor. Sua formação artística transparece em suas imagens, onde a organização visual e o uso das cores são notáveis.

Ernst Haas. Um pioneiro na fotografia colorida, Haas tinha uma visão única para o design visual. Suas imagens apresentam uma mistura elegante de cores e formas. Uma outra característica na sua fotografia, e que por isso é um dos meus preferidos, era o uso que Hass fazia da longa exposição.

Fan Ho. Este fotógrafo chinês é conhecido por suas composições urbanas impressionantes, que muitas vezes incorporam linhas e contrastes de maneira dramática.

A formação em design fornece ao fotógrafo a capacidade de pensar de forma mais abrangente sobre a composição, utilizando técnicas que vão além do convencional para contar uma história visualmente envolvente. A presença de um repertório em design acrescenta uma camada adicional de profundidade e intencionalidade à sua obra, transformando não apenas fotos, mas experiências visuais.